Un homenaje a estas
virtuosas cuyo trabajo ha influenciado a innumerables artistas, pero que aún no
han recibido el reconocimiento a la par con sus pares masculinos.
Pídale
a una persona promedio que nombre una artista latinoamericana, y es muy
probable que mencionen a Frida Kahlo. No se disputa el lugar de Kahlo en el
canon de la historia del arte como maestra del surrealismo y el autorretrato.
Pero incluso ella enfrentó obstáculos en su viaje hacia los libros de historia
y la conciencia popular, incluida la marginación flagrante que enfrentó como
artista tanto femenina como latinoamericana.
Si bien la práctica de Kahlo
ha trascendido en su mayoría las lecturas sexistas, muchas otras artistas
latinoamericanas no han sido tan afortunadas. “A lo largo de la historia del
arte, las personas que han tenido el poder de escribir narrativas dominantes
decidieron excluir a las mujeres y al arte hecho en América Latina”, dijo la
curadora Cecilia Fajardo-Hill. “Es una forma de segregación, y es inaceptable”.
Fajardo-Hill es el curadora,
junto con Andrea Giunta, de “Mujeres radicales: arte latinoamericano,
1960-1985”, un espectáculo en expansión que comenzó su gira en el Museo Hammer
de Los Ángeles y actualmente se exhibe en el Museo de Brooklyn. Es solo la
segunda exposición de un museo estadounidense a gran escala que se enfoca en
artistas mujeres latinoamericanas, pero marca un esfuerzo creciente de
curadores e historiadores para afirmar su influencia. “Hablar sobre las mujeres
que se han pasado por alto requiere muchas exposiciones”, continuó
Fajardo-Hill. “Este es el primero de muchas que deberían suceder”.
A continuación, destacamos 11
mujeres artistas latinoamericanas (de “Radical Women” y más allá) cuyo trabajo
ha influenciado a innumerables artistas, pero que aún no han recibido el
reconocimiento a la par con sus pares masculinos.
Tarsila do Amaral (1886-1973) Brasil
Tarsila do Amaral es la
artista brasileña más famosa del siglo XX, pero hasta hace poco, su trabajo
recibía escasa atención fuera de su país de origen. El año pasado, el Art
Institute of Chicago se convirtió en la primera institución de los Estados
Unidos en presentar una exposición individual de la obra de la pintora
modernista (ahora está a la vista en el Museo de Arte Moderno de Nueva York).
Un miembro de la burguesía de
São Paulo, Amaral viajó a París en la década de 1920, donde tomó clases con
grandes cubistas como Fernand Léger y se codeó con gente como Pablo Picasso y
Constantin Brancusi. Ella trajo elementos de sus pinturas modernistas-formas
aplanadas, espacio fracturado, cuerpos distorsionados-de vuelta a Brasil, pero
los hizo suyos al incluir contenido ignorado por sus homólogos europeos.
Do Amaral llenó sus lienzos
con escenas vibrantes de la vida brasileña y los poderosos y abundantes cuerpos
de figuras femeninas. Estas pinturas inspiraron el movimiento de la
Antropofagia de Brasil, que incitó a los artistas a definir un nuevo y único
estilo brasileño al “canibalizar” aspectos definitorios del arte occidental. En
el proceso, la práctica de Amaral ayudó a dar forma a la identidad nacional
poscolonial de su país.
María Izquierdo (1902-1955) México
María Izquierdo era una madre soltera que criaba a tres hijos cuando sus retratos y pinturas de interiores místicos y surrealistas comenzaron a hacer olas en la Ciudad de México en la década de 1930. Anteriormente, había asistido a clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la capital, donde el renombrado muralista Diego Rivera elogió sus primeros trabajos. Desde entonces, Izquierdo desarrolló una práctica que “rechazó el arte político que prevalecía en su momento”, como ha señalado la crítica Holland Cotter, y en su lugar mezcló elementos del mito y la cultura popular mexicana con contenido relacionado con su propia identidad, emociones y subconsciente. En 1930, montó una exposición individual de su obra en Nueva York, convirtiéndola en la primera artista femenina mexicana en hacerlo (incluso antes de Kahlo).
Sin embargo, la popularidad
de Izquierdo entre la élite artística de la Ciudad de México comenzó a menguar
en la década de 1940, cuando Rivera y su colega muralista David Alfaro
Siqueiros le impidieron recibir una importante comisión mural pública por la
que fue finalista (un raro golpe para una mujer artista en él hora). Los dos
hombres la llamaron no calificada, y desde entonces, su carrera sufrió. Con el
tiempo, su legado también se volvió nebuloso, a pesar de su influencia en los
pintores surrealistas y figurativos, tanto en sus pares como en los que
vinieron después de ella.
Lygia Clark (1920-1988) Brasil
Lygia Clark fue una de varias artistas en la década de los sesenta en Brasil para ser pionera en el arte interactivo e inmersivo, un intento de romper los límites entre el arte y la vida. Clark comenzó su práctica radical explorando la abstracción geométrica en un momento en que el realismo era todavía el motivo dominante en Río de Janeiro. Obtuvo inspiración temprana de modernistas europeos como Paul Klee y Léger, pero rompió con su estilo al llevar las formas duras de sus pinturas al espacio tridimensional. Sus lienzos sobresalían en el aire, y ella comenzó a hacer esculturas angulosas, sus famosos “Bichos (Critters)” con la intención de ser manejados por los espectadores.
Junto con otros artistas de
Río de Janeiro, Lygia Pape y Hélio Oiticica, Clark fundó el movimiento
Neo-Concreto, que fomentó la participación, la experimentación, la sensualidad
e incluso el discurso político dentro de la abstracción. Más tarde, Clark
gravitó hacia el cine y el arte interpretativo como un medio para expresar su
creciente deseo de acercar el arte y la vida. Finalmente, comenzó a centrarse
menos en la creación artística y más en su práctica como psicóloga. A partir de
las primeras observaciones de las personas que jugaban con sus esculturas,
Clark desarrolló métodos en los que los pacientes interactuaban con los objetos
como parte de su proceso de curación.
Al igual que Clark, Lygia Pape sentó las bases para innumerables artistas experimentales que buscaban cerrar la brecha entre el arte y el mundo que lo rodea. La práctica de Pape también creció desde un interés inicial en la abstracción geométrica, pero rápidamente se movió hacia la performance, la instalación y el cine como un medio para explorar las dimensiones sociales del arte. Ella hizo libros que estaban destinados a ser retenidos y reorganizados, y coreografías de actuaciones grupales.
Su trabajo más destacado The Divisor (1968), fue activado por un gran grupo de escolares de una favela de Río de Janeiro. Al asomar la cabeza a través de agujeros en una enorme sábana blanca, sus movimientos individuales se restringieron a medida que se metamorfoseaban en un solo organismo. En ese momento, Brasil fue gobernado por una dictadura, y la pieza de Pape comentó audazmente sobre las limitaciones a las libertades personales impuestas por el gobierno.
Sus películas fueron
igualmente experimentales y audaces. En Eat Me (1975), ella filmó una boca de
cerca mientras chupa y grotescamente escupe varios objetos. La pieza alude
simultáneamente al “canibalismo” del movimiento antropofagia de do Amaral y la
violencia que plagó cada vez más a Brasil.
Zilia Sánchez (1928) Cuba
En la década de 1960, Zilia Sánchez reinventó la abstracción geométrica de bordes duros al introducir lienzos en forma y formas onduladas que evocaban la sensualidad y el erotismo. Nacida en Cuba, Sánchez creció en los años difíciles antes de la revolución y comenzó su carrera como pintora y diseñadora de escenarios para grupos radicales de teatro guerrillero. En 1964, viajó a Nueva York, donde comenzó a hacer pinturas en forma, una práctica que desarrolló aún más en Puerto Rico después de establecerse allí a principios de los años setenta.
En las pinturas
tridimensionales de Sánchez, como la Topología Erótica de 1976, las áreas
puntiagudas del lienzo sobresalen en el espacio, su semejanza con los pezones
realzados por las formas pintadas de color rosa que los rodean. A lo largo de
su carrera, Sánchez también se ha unido a múltiples lienzos; donde se
encuentran, aparecen aberturas recordando vulvas y otros orificios.
Marisol Escobar (1930-2016) Venezuela
Se decía que Marisol, nacida María Sol Escobar, había recibido “más prensa y más visibilidad que Andy Warhol” en la década de 1960. Pero al igual que muchas artistas mujeres, su influencia fue eclipsada por sus homólogos masculinos. Nacida en París en el seno de una acaudalada familia venezolana, Marisol comenzó a pasar un tiempo en Nueva York en la década de 1960, absorbiendo la emergente escena del arte pop.
No pasó mucho tiempo antes de que mostrara sus esculturas lúdicas y satíricas que mezclaban influencias tan variadas como los ensambles de Robert Rauschenberg y el arte popular precolombino. Las figuras totémicas resultantes representaban figuras famosas, como los Kennedy, y familias cotidianas, al tiempo que incorporaban elementos moldeados del propio cuerpo de Marisol. De esta manera, combinó lo personal y lo político, haciendo alusión al naciente movimiento de arte feminista.
Marta Minujín (1943) Argentina
Marta Minujín también pasó la
década de 1960 instalada en el floreciente movimiento Pop art, donde
ocasionalmente colaboraba con Warhol. El trabajo de Minujín, sin embargo, no se
parecía en nada a las pinturas lisas y producidas en masa de su contraparte
masculina de cabello plateado. En cambio, sus esculturas afelpadas, ambientes
encendidos con brillantes neones y actuaciones públicas invitaron a la
participación activa y al contacto físico.
En la década de 1960, Minujín comenzó a transformar los colchones multicolores en formas abultadas que hacían referencia al cuerpo humano, el sexo y el descanso. Se convirtieron en elementos centrales de entornos como La chambre d’amour (1963) y ¡Revuelquese y Viva! (1964), en el que Minujín alentó a los participantes a dejar sus inhibiciones en la puerta y rodar en un mar de cojines.
El trabajo de Minujín también
ha abordado cuestiones políticas como los males del régimen totalitario y la
opresión. Para la serie en curso “La caída de los mitos universales”, ella
erigió réplicas de monumentos famosos como el Partenón usando objetos cargados,
como libros prohibidos por la antigua dictadura argentina. Una vez que se
desmantela una estructura dada, sus componentes individuales se distribuyen al
público.
Teresa Burga (1935) Perú
A lo largo de los 60 años de carrera de Teresa Burga, ha colocado el cuerpo femenino en el centro de su práctica de flexión de pop. Sus pinturas y esculturas lúdicas e incisivas han cuestionado los estereotipos femeninos y las jerarquías patriarcales del mundo del arte. Simultáneamente, implican a los medios de comunicación y al gobierno totalitario como culpables del chauvinismo.
Burga comenzó su carrera en
la década de 1960, cuando se intensificaron los disturbios políticos en el
Perú. Miembro fundador de Groupe Arte Nuevo, que ayudó a presentar el trabajo
de vanguardia de Pop Art and Happenings en Perú, sus primeros trabajos
resistieron la preferencia nacionalista del dictador Juan Velasco Alvarado
hacia el arte indígena. Las pinturas figurativas brillantes de los años 60
parodiaban las representaciones sexistas de las mujeres, mientras que las
esculturas modulares construidas a partir de cubos (piensen en las Cajas de
Brillo de Warhol, 1964) representaban partes del cuerpo y abordaban la
mercantilización de la forma femenina.
Otras piezas fueron más intensivas en investigación.
Para Perfil de la r peruana (1980-81), Burga y la psicoterapeuta Marie-France Cathelat investigaron las vidas de las mujeres de clase media como forraje para una instalación multimedia que explora la disonancia entre las mujeres reales peruanas y los estereotipos que se les atribuyen.
Beatriz González (1938)
Al recordar su carrera en
2015, Beatriz González se describió a sí misma como una “transgresora que no
encajaba en su tiempo”. El artista radicado en Bogotá alcanzó la mayoría de
edad en la década de 1960, en los albores del arte pop y un período de
conflicto en Colombia conocida como La Violencia. González fusionó ambas
influencias en un cuerpo de trabajo que hacía referencia a imágenes de la
historia del arte y los disturbios sociales y políticos de su época.
Quizás en su obra más famosa,
Los suicidas del Sisga I, II y III (1965), González se apropió de una foto
reproducida en los periódicos locales; mostraba los rostros sonrientes de una
pareja profundamente religiosa que se suicidaron conjuntamente para absolver el
pecado de la mujer. González reinterpretó la imagen en una serie de pinturas
brillantes y planas que ponen de relieve el trágico final de la pareja y la
inquietante sensación de los medios que provocó. Otras obras cuestionan la
producción en masa reproduciendo obras históricas de arte famosas en objetos
domésticos cotidianos, como cortinas y toallas sucias.
Paz Errázuriz (1944) Chile
En la década de 1970, la
fotógrafa Paz Errázuriz se atrevió a documentar comunidades marginadas bajo la
dictadura liderada por Pinochet en Chile. Ignorando las leyes que restringían
el acceso de las mujeres a ciertas áreas, ingresó en burdeles poblados por
trabajadoras sexuales queer y trans; hospitales psiquiátricos; circos; y clubes
de boxeo. Después de hacerse amigo de miembros de estas escenas dispares, ella
tomó sus retratos. Las fotos resultantes irradian intimidad y calidez,
reverenciando a sus sujetos y exponiendo la opresión que enfrentan. “Son temas
que la sociedad no mira”, ha dicho Errázuriz sobre su trabajo en curso, ” mi intención
es alentar a las personas a que se atrevan a mirar”.
Mónica Mayer (1954) México
La práctica feminista de
Mónica Mayer se inició en la escuela de arte, cuando escuchó a un grupo de
estudiantes masculinos declarar “que las mujeres eran menos creativas que los
hombres porque dijimos que habíamos dado a luz”, como recordaría más tarde en
una declaración del artista. En 1978, dejó su México natal para ir a Los
Ángeles, donde se sumergió en el influyente Taller de Estudio Feminista e
interactuó con pioneros del movimiento de arte feminista estadounidense, como
Judy Chicago. Más tarde ese año, Mayer llevó su floreciente práctica de
rendimiento a la Ciudad de México, donde produjo El tendedero (1979). La pieza
interactiva alentó al público a terminar la frase: “Como mujer, lo que más
detesto de esta ciudad es…”
Otros trabajos se burlaron de
las ideas tradicionales de normalidad sexual o celebraron los deseos de las
mujeres. Mayer llegó a fundar dos grupos de arte feministas propios, y ha
promovido su ideología feminista a través de canales fuera de su práctica.
“Creo que lo más importante que el arte feminista me ha dado es la comprensión
de que el trabajo de un artista es más que producir obras de arte”, explicó.
“Hacer investigación sobre el arte de las mujeres, escribir sobre ellas…
enseñar, protestar y apoyar a otras mujeres artistas es parte de mi trabajo”.
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